UNA SALOMÉ DE ENSUENO
José Sampedro Pérez, LA PROVINCIA October 11, 2009

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‘SALOMÉ’ OFRECE SU CARA
MÁS ERÓTICA Y TERRORÍFICA
September 8, 2009

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Œdipe [Bucarest]
Retour au pays d'Enesco

Bucarest, Opéra National. 30-VIII-2009. Georges Enesco (1881-1955) : Œdipe, tragédie lyrique en 4 actes sur un livret d’Edmond Fleg.
Mise en scène : Nicolas Jœl et Stéphane Roche ; décors : Ezio Frigerio ; costumes : Franca Squarciapino.
Avec : Franck Ferrari, Œdipe ; Oana Andra, Jocaste ; Horia Sandu, Tiresias ; Ionuţ Pascu, Créon ; Valentin Racoveanu, le Berger ; Crina Zancu, Antigone ; Ecaterina Ţuţu, la Sphinge ; Ştephan Schuller, le Grand-Prêtre ; Pompeiu Hărăşteanu, Phorbas ; Mihnea Lamatic, le Veilleur de nuit ; Vicenţiu Ţăranau, Thésée ; Mihail Lazăr, Laïos ; Adriana Alexandru, Mérope ; Sidonia Nica, une jeune thébaine. Maîtrise, Chœur et Orchestre de l’Opéra National de Bucarest (chef de chœur : Vasile Corjos), direction : Oleg Caetani

Venue de Toulouse, cette production d’Œdipe a ouvert avec flamboyance la 19e édition du Festival international Georges Enesco. Cet opéra, écrit pour Paris par un compositeur roumain sur un livret en français, boudé en France, a été un des fleurons de l’Opéra National de Bucarest (dans une traduction en roumain), le rôle-titre ayant été essentiellement incarné par le baryton David Ohanessian. Quoi de plus naturel donc que cet opéra devenu quasiment « symbole national » en Roumanie soit pour une fois produit par une scène française ? La double culture d’Enesco (on pourrait dire de même d’Eugène Ionesco ou Emil Cioran, sans parler de Paul Célan, qui vécut aussi à Paris), le surnom de « Petit Paris » de Bucarest et la maîtrise de la langue de Molière par une grande part de la population roumaine expliquent les fortes relations culturelles entre les deux pays.

Car monter Œdipe d’Enesco est une gageure : le premier rôle est écrasant, le chœur est quasiment le « deuteragoniste » (deuxième rôle principal dans la tragédie grecque), la partie d’orchestre excessivement complexe, et aucun des autres personnage n’est de second plan. Enfin le livret un peu trop boursouflé d’Edmond Fleg rend souvent l’action statique, situant le drame plus dans l’évolution psychologique des personnages que dans l’action. Mais pour un tel chef d’œuvre, tous les efforts possibles peuvent être faits.

L’effort de trouver un Œdipe. Avec Franck Ferrari c’est chose faite. Le chanteur domine la scène avec assurance et ne laisse pas poindre un instant de faiblesse, malgré la difficulté du rôle, qui explore toutes les possibilités du chant sur une tessiture très large. Le reste de la distribution est plus hétérogène, faite d’artistes de la troupe locale, de laquelle se détachent Valentin Racoveanu (le Berger), Oana Andra (Jocaste) et Horia Sandu (Tirésias). Le chœur, d’une très grande qualité, chante dans un français parfait – une qualité évidente dans un pays si francophile.

A l’orchestre, Oleg Caetani fait des miracles. Certes, les cordes sonnent un peu trop sèches, la justesse des vents n’est pas toujours au rendez-vous, les accords de cuivres sonnent un peu trop durement, mais le chef sait insuffler une énergie communicative qui rend l’ensemble très homogène et offre aux chanteurs un soutien sans failles.

La mise en scène est malheureusement handicapée par un théâtre aux possibilités techniques limitées. Essentiellement statique, tirant vers l’oratorio – le livret lui-même use de la distanciation avec les personnages – les déplacements réalisés par Stéphane Roche restent d’une grande simplicité, se contentant de suivre une musique forte en émotions. Les décors en béton bruts et les costumes stylisés, tout aussi gris, contribuent à cette lecture pragmatique d’un drame universel. Cette production, homogène en tout points, longuement applaudie par un public enthousiaste (dont le Président de la République roumaine), mérite plus qu’un aller simple Toulouse-Bucarest. Et l’opéra Œdipe de Georges Enesco a un fort besoin de reconnaissance internationale, comme le fut Lady Macbeth de Mzensk il y a une trentaine d’années, devenu depuis un classique des scènes lyriques.
Crédit photographique : Ştephan Schuller (le Grand-Prêtre) ; Mihail Lazăr (Laïos – de dos) © Liviu Sova
Maxime Kaprielian, ResMUSICA.com
03/09/2009

Kritik zu Bukarest, Nationaloper, Enescu-Festival 2009 (National Oper Bukarest)
Der Schicksalsbezwinger

Nur wenig mehr als dreißig Werke hat er hinterlassen: Kammermusik, Lieder, Symphonik. Er war ein weltbekannter Violinvirtuose und Lehrer für dieses Instrument. Yehudi Menuhin war sein bekanntester Schüler, gemeinsame Aufnahmen aus den 30er Jahren mit dem Lehrer als Dirigenten, auch hier war er hoch geschätzt, belegen dies. Mit dem Pianisten Dinu Lipatti hat er hinreißende Konzerte eingespielt.
George Enescu, 1851 in einer heute nach ihm benannten Stadt in Rumänien geboren und 1955 in Paris gestorben, ist in seiner Heimat ein bekannter und hoch verehrter Künstler. Eine Banknote trägt sein Porträt, Denkmale erinnern an ihn, die Musik des Mannes, der Europäer und Weltbürger war, hört man außerhalb seiner Heimat selten. Ob es daran liegt, dass er sich, als Schüler von Fauré und Verehrer Wagners, jedem Stil seiner Zeit versagte, dass er sich weder nach Strawinsky noch nach Schönberg richtete, und dennoch seiner Musik impressionistische Züge gab, gemischt mit Traditionen der wiederum von vielen Einflüssen durchzogenen Volksmusik seines Landes, und die Melodik zugunsten der Moden nie vernachlässigte.
Eigentlich beste Voraussetzungen für einen Opernkomponisten. George Enescu hat nur eine Oper geschrieben, der Schaffensprozess wurde mehrfach unterbrochen, an die dreißig Jahre vergingen vom Beginn der Arbeit bis zur Uraufführung 1936 in Paris. Heute ist es im Werk zu spüren, zu hören, dass das Grauen des Ersten Weltkrieges, das Heraufziehen des Zweiten, diese spezielle Bearbeitung der antiken Ödipus-Mythologie beeinflusst haben.
Der Librettist Edmond Fleg und George Enescu erzählen in dem oratorischen Werk mit reichen Aufgaben für den Chor, äußerst dankbaren größeren und kleineren Partien sowie einer fulminanten Hauptpartie die Geschichte des Ödipus linear, von der Geburt bis zum Tod. Es gibt aber eine zunächst klein anmutende, aber im Hinblick auf die Zeit der Entstehung, heute besonders im Hinblick auf die Gegenwart, wesentliche Veränderung. Wie im Original beantwortet Ödipus die Frage der Sphinx, deren Fluch auf Theben liegt, mit „Der Mensch“. Nur ist die Frage des Schreckenswesens anders, weniger in Rätselpoesie verkleidet, sondern ganz direkt fragt sie danach, wer oder was denn stärker sei als das Schicksal.
In der Oper geht es darum, dass Ödipus seine Antwort belegen , also das Schicksal besiegen muss, indem er es annimmt, dass er den blinden Boten, der ihn sehend macht und ihn daran erinnert, dass er schuldlos schuldig ist, ein Blutschänder und Mörder, nicht bestraft und mundtot macht. Schuld und Schicksal anzunehmen, nicht zu verdrängen, nicht zu entfliehen, der Vergangenheit auf den Grund zu gehen, lässt die Gegenwart ertragen und öffnet einzig Fenster im betonierten Horizont. Ein Gang durch Bukarest im Sommer 2009 lenkt den Blick auf Wunden der Vergangenheit, auf die der Gegenwart auch, betonierte Zeichen der Epochen und ihrer Schicksalstaten sind allgegenwärtig.
In diesem Jahr wird das renommierte Bukarester Enescu-Festival, das einen ganzen Monat währt, mit der Premiere 'Oedipe' in einer Koproduktion mit dem Théatre du Capitole de Toulouse und der hiesigen Nationaloper eröffnet. Großes Medieninteresse, einmütig wie sonst nie sitzen die Regierungsmitglieder in der ausverkauften Oper unweit des monströsen Ceausescu-Palastes. Unter der musikalischen Leitung von Oleg Caetani wird der Abend zu einem Ereignis, das noch einmal deutlich macht, welches Meisterwerk es auch endlich andernorts zu entdecken gilt. In der statuarischen, oratorisch-antikisierenden Regie von Nicolas Joel wird deutlich, dass in szenischer Hinsicht die Möglichkeiten des Werkes erst recht auf sinnlichere Entdeckungen warten.
Bejubelt werden zu Recht Chor und Orchester der Bukarester Nationaloper, denn es wird grandios gesungen und musiziert. Der Chor, homogen und in großen Bögen, melodisch, wenn gefordert, dann auch extrem rhythmisch, im Sprechgesang, kommentierend, fordernd, betroffen in höchster Erregung, ebenso feierlich wie spirituell. Gleichermaßen das Orchester. Die Spannung fällt nie ab, harte Klangkaskaden erschrecken, Stimmungsbilder von kosmischen Dimensionen, geheimnisvolle, flirrende Passagen im Gegensatz. Caetani betont das immerwährende Drängen der Musik, die Beunruhigung bis hin in den Schluss, das lichtdurchflutete Finale, wenn der geblendete, sehende Ödipus in erlöstem Einklang mit sich selbst, mit seinem Schicksal, die Bühne dieses aufwühlenden Welttheaters verlässt.
Die große Anzahl der Partien wird aus dem Ensemble der Bukarester Nationaloper weitaus mehr als angemessen besetzt. Zu nennen sind die Iocaste der Oana Andra, die Antigone der Debütantin Crina Zancu oder die expressive Sphinx der Ecaterina Tutu. Ein archaisch prophetischer Tiresias ist Horia Sandu. In der Titelpartie als Gast aus Toulouse Franck Ferrari, unglaublich reich in den Abstufungen der Stimmungsfacetten des komplizierten Charakters und vor allem authentisch in der Entwicklung.
Im Verlauf des Festivals werden etliche der berühmtesten Orchester aus der ganzen Welt hier Station machen und im Bukarester Athenäum, wo Enescu 1896 sein Debüt gab, konzertieren. Dazu kommt eine illustre Liste von Dirigenten, Instrumentalvirtuosen und Sängern. Dazu ist eine große Konzertreihe ausschließlich der rumänischen Musik des 20. Jahrhunderts gewidmet und schließt so gut wie alle Genres ein. In einem Festivalzyklus erklingt George Enescus Musik in Korrespondenzen mit der seiner Zeitgenossen. Wenn das Festival auf gleichem Niveau fortfährt wie es mit 'Oedipe' begonnen hat, wird ihm großer Erfolg beschieden sein.
Kritik von Boris Michael Gruhl, www.klassik. com

INTERVIU - FESTIVALUL SI CONCURSUS INTERNATIONAL GEORGE ENESCU 2009 August 30, 2009

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CURIERUL NATIONAL
August 28, 2009

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Classica - Répertoire
November 2008

Gramophone
November 2008

Three Great Romantics
Melbourne Symphony Orchestra

The Melbourne Symphony Orchestra's Three Great Romantics concert opened with the Overture from Carl Maria Von Weber’s romantic opera, Oberon. Inspired by a poem written by James Robinson Planche, Oberon tells the story of Oberon, the elf-king, who is magically summoned to save Sir Huon of Bordeaux. A piece begins with a solo horn which is met by the “answering sounds” of evocative violins from Oberon’s elf-world.
The second piece of the evening, Piano Concert in A minor, Op. 54 was composed by Robert Schumann to his love for his pianist wife Clara. Premiered in Leipzig on New Year’s Day in 1846, the piece contains a central musical theme which is woven between the piano and the ensemble. Containing three movements, the tranquil and emotive piano solo which underscores the piece was played by Sydney International Piano Competition winner, John Chen.
Beginning as an “expressive reverie”, Schumann’s first movement allegro affettuoso delineates a dialogue between the “heralding” oboe before a “return to earlier debates interrupts this dream” launching the soloist into “an extended cadenza, capped by a quick coda”. The grace and texture with which Chen navigates across the keys in the third movement Allegro Vivace is commanding and dazzling as the piece’s “theme surfaces buoyantly through harmonic sequences that build to an exhilarating conclusion”.
Following the intermission, conductor Oleg Caetani explains that Johannes Brahms thought of his Serenade No. 1 in D, Op. 11 as a fusion which he called a “symphony-serenade”. Though the word “symphony” was later crossed out from the title by Brahms, the symphonic elements which permeate the entire piece are unmistakeable. Brahm’s flair for the elegant results in a piece emboldened by the Melbourne Symphony Orchestra’s brilliant interplay of clarinets, bassoons, cellos, flues and violin. An exuberant and vivacious surprise encore performance of Brahm’s Hungarian Dance No. 1, filled the Melbourne Town Hall with the majesty of violins as the Melbourne Symphony Orchestra brought the concert to a triumphant close.
Melita Pereira, AUSTRALIAN STAGE
Sunday, 31 August 2008

The Flying Dutchman - MSO

Wagner’s The Flying Dutchman is a tempestuous tale based on the legend of a Dutchman who is condemned to sail the stormy seas until he finds a faithful woman who will love him until death. In Wagner’s operatic masterpiece, the Dutchman is allowed to return to land every seven years to search for this elusive woman – finally, he finds Senta, a woman prepared to die for love.
Wagner’s primary source for this opera derived not only from two prose works by Heinrich Heine, but from his own experience of many months spent on an old boat in stormy seas, reflected in the stormy visions evoked in much of the music for this opera. The intensely emotional and evocative quality of this work and its story illustrates Wagner’s revolutionary approach to opera, based on his theories of Oper und Drama and Zukunftsmusik (music of the future) – the joining together of music and drama into an inseparable whole. The Flying Dutchman is typical of Wagner – a richly expressive and dramatic work on a grand-scale.
Presented in concert by the Melbourne Symphony Orchestra and Chorus, along with the men from the Victorian Opera Chorus, and a fine selection of Australian and international soloists – a vivid rendering of the sheer scale of Wagner’s score was created. The ensemble numbers, in particular the finale, created an amazing wall of sound and power in tune with Wagner’s style and artistic vision.
Conducted by Oleg Caetani, the Melbourne Symphony Orchestra opened the opera with a chilling performance of the overture which quickly established the atmosphere of a wild and windy sea... and story. The orchestral performance was powerful (at times too powerful; overpowering the soloists), yet nuanced – representing the elemental forces of nature, but also of love.
The six soloists presented polished, fine vocal performances which highlighted the lyricism beneath the sheer power of Wagner’s music. Gabriele Maria Ronge, in particular, performed commendably, replacing Lisa Gasteen with very short notice, after a neck injury forced Gasteen to withdraw from the performances. However, the casting was at times a little jarring and disconcerting, as a mature Ronge portrayed the maiden Senta, against the much younger Sian Pendry portraying Mary, Senta’s nurse.
The highlight of the performance was the renowned bass-baritone, John Wegner - the Dutchman. Wegner’s performance encapsulated Wagner’s ideal of the unification of music and drama, with a commanding vocal interpretation along with an authentic portrayal of the Dutchman’s brooding torment, and final salvation.
A concert adaptation of Wagner’s dramatic masterpiece at first seems a little misplaced (and at times the drama did become lost), however, the one-hundred and twenty member MSO chorus, along with the Victorian Opera men’s chorus brought Wagner’s music and drama to life. In the second half of the night’s performance, the chorus was divided into three ensembles on each side of the stage, creating in the final scene, through sound, a sense of the overwhelming, awe-inspiring force of Wagner’s music, and love, as Senta throws herself into the sea in her devotion for the Dutchman.
The Dutchman and Senta become transfigured – and despite the concert format, it was hard, too, not to be transformed by Wagner’s music, and the people who dedicate themselves to its performance.
Olympia Bowman-Derrick, AUSTRALIAN STAGE
Wednesday, 27 August 2008

Haunting without histrionics
The Flying Dutchman
Richard Wagner
Melbourne Symphony Orchestra
Conductor: Oleg Caetani

OPERA in concert has formed an integral part of the Melbourne Symphony Orchestra's program during Oleg Caetani's term as chief conductor. In 2004 he presented Wagner opera extracts in concert, a sophisticated performance justifying the presentation of Wagner without scenic extravagance and histrionics. There have since been full performances of Verdi's Otello (2005), Ravel's L'Enfant et les sortileges (2006) and Puccini's La Fanciulla del West (2007), each acclaimed.
This year, Caetani revisits Wagner with a performance of The Flying Dutchman, a work often treated with gruff gravitas. Caetani, however, has a knack for drawing out lyricism and refinement. Here, his approach is unlaboured and approaches a bel canto style.
Aided by a full string section that few theatre pits can accommodate, Caetani achieves outstanding orchestral balance. The horns also put in a noteworthy performance, excellently handling the highly exposed and technically challenging parts.
John Wegner's powerful rendition of the Dutchman is on par with his award-winning performance in Barrie Kosky's 1996 production for Opera Australia. Although revealing some vocal fatigue in quieter passages, Wegner offers a full, rich tone and an impressively sinister stage presence, including a transfixing performance of Die Frist ist um.
Stepping in at short notice for an injured Lisa Gasteen as Senta, German soprano Gabriele Maria Ronge provides a lively theatrical presence and elegant lyricism. Despite a persistent sniffle, slightly abrasive upper register and understandable dependence on the score (the other singers perform from memory), Ronge beautifully evokes every aspect of the opera's dramatic thread, from dreamy longing in Senta's ballad to the frenzied devotion of the final encounter with the Dutchman.
Bjarni Kristinsson as Daland is every bit the Viking seafarer. With a sonorous bass voice, his supple tone ranges from sweet to severe in accordance with the drama. As the spurned lover, Erik, Stuart Skelton is vocally impressive and dramatically intense. His tendency to close his eyes and twitch body parts in time with the orchestra is distracting and makes it difficult for Ronge to interact with him.
Adrian Dwyer's earnest interpretation of the Steersman suits his clean, penetrating tone and lyrical phrasing. Sian Pendry plays Mary with a wonderful playfulness.
The women of the MSO Chorus give a joyful and charming rendition of the Spinning Chorus, but the men seem a little at sea as the ghostly galleon's crew. In contrast, the Victorian Opera Chorus men clearly relish being drunken sailors for a day and sing with quality and gusto.
Eamonn Kelly, THE AUSTRALIAN
August 28, 2008

Overdue symphony 13
unlucky for absent friends
Melbourne Symphony Orchestra.
Hamer Hall, Melbourne

It is always disappointing to see rows of empty stall seats at the Melbourne Symphony Orchestra's Master series. On this occasion, those who chose not to attend did themselves a particular disservice.
The concert started with Schubert's Fourth Symphony, Tragic, but its highlight was the extraordinarily overdue Australian premiere of Shostakovich's Symphony No13, Babi Yar (1962), named after the Ukrainian site where 100,000 people, mainly Jews, were executed by Nazi troops.
Its five movements are settings of Yevgeny Yevtushenko poems (Babi Yar, Humour, In the Store, Fears, Career) critical of contemporary Soviet life and reflective about human nature's most noble and ignoble aspects.
Musically, this was a curious pairing, the Shostakovich dwarfing a Schubert gem that on another program would have shone in its own right.
Under chief conductor Oleg Caetani, the orchestra offered a clean, refined reading of the Schubert. The appellation, Tragic, is not particularly apt, and this performance was entirely bereft of angst; there was such an abundance of beauty, charm and gentility that many of the audience's senior members seized the opportunity for a quick nap.
The Shostakovich, on the other hand, captivated and impressed for an interpretation clearly of Caetani's own making.
Shostakovich symphonies are often presented as a blend of caustic aggression and pervasive gloominess. Clearly, he had an uneasy relationship with Soviet authorities, his musical output affected by direct and indirect state censorship.
His dark, often sardonic sense of humour found its way into his music. He was also drawn towards exploring difficult human conditions: struggle, pain, numbness.
Here, Caetani demonstrated Shostakovich's humane, reflective and empathetic traits. Broad phrasing, measured dynamics and unmannered articulation helped realise the work's expansive lyricism and timbral subtleties, features almost uniformly trampled by conductors determined to treat this symphony with gruff severity and peasant wit.
The work calls heavily on a bass soloist to carry most of the vocal line, and in this role British bass-baritone Iain Paterson was impressive, if overly earnest at times. His reading of Humour imitated the orchestral accompaniment's stiff martial characteristics instead of drawing on the text's playfulness.
Unlike many others who tackle this part, he never barked over-enunciated lyrics, and at all times offered a rich, rounded tone and nicely sustained phrasings.
The massed male chorus, on this occasion drawn from the ranks of the Melbourne Symphony Chorus and the Victorian Opera Chorus, demonstrated tasteful reserve, accuracy and a full sound.
This was a fine performance of a work well worth keeping in the Australian repertoire.
Eamonn Kelly, THE AUSTRALIAN
August 12, 2008

Sydney Morning Herald
02/05/2008

Oleg Caetani
Seconde partie:
le héraut des mal-aimées

Nul n’attendait un orchestre et un chef italiens dans Chostakovitch, pourtant Oleg Caetani vient d’achever une intégrale aussi inattendue que mémorable par le souffle symphonique qui la traverse. Des lectures profondément ressenties qui révèlent l’inspiration de Chostakovitch dans les symphonies ordinairement considérées comme mineures pour leur caractère descriptif, telles les Leningrad (n°7), 1905 (n°11) et 1917 (n°12). ResMusica a voulu en savoir plus sur cette alliance rare où la rigueur musicologique d’aujourd’hui s’inscrit dans la meilleure tradition orchestrale du passé.

ResMusica: Vous avez achevé votre intégrale des symphonies de Chostakovitch, avec le surprenant, et pour tout dire inattendu, Orchestre Symphonique de Milan Giuseppe-Verdi (lire notre chronique). Confier une somme symphonique aussi exigeante à un jeune orchestre italien paraît une aventure un peu folle !
Oleg Caetani: Ce projet remonte à mon premier concert avec cet orchestre en 1999, avec la Symphonie n° 6 de Chostakovitch. Le label Arts était présent et a tout de suite voulu réaliser le cycle complet. Riccardo Chailly (1) ne dirigeait pas ces symphonies et était heureux que j’assume cette entreprise. Cette intégrale est très importante pour le public italien. Alors que Prokofiev était populaire en Italie dans les années 50 à 70, Chostakovitch n’a été découvert que dans ces dix dernières années. L’orchestre Giuseppe-Verdi est le premier orchestre italien à jouer toutes les symphonies de Chostakovitch !

RM: Les enregistrements ont été effectués en concert, à l’exception des Symphonies n°12 « 1917 » et n°14. Pourquoi ces deux symphonies ont-elles bénéficié de ce traitement particulier, surtout quand on sait à quel point elles sont aux antipodes l’une de l’autre ?
OC: Nous n’avions pas les moyens de réaliser l’intégrale en studio, car quand on enregistre, l’orchestre ne peut pas jouer en concert pendant une semaine et la billetterie ne tourne pas. J’ai insisté pour qu’on fasse la n°12 en studio, car c’est la Cendrillon des symphonies de Chostakovitch. Elle est considérée comme une médiocre symphonie de commande, alors que pour moi elle a une vraie valeur musicale. Elle souffre de son contexte historique, d’être dédiée à Lénine mais aussi, d’une mauvaise tradition d’interprétation. Enregistrer en studio me permettait de la mettre en valeur, de rechercher le phrasé juste, je suis particulièrement fier du résultat.

RM: La Symphonie n°14 a en revanche la réputation d’être un sommet d’inspiration de Chostakovitch.
OC: Le studio nous a permis de travailler le rythme, l’intonation, pour obtenir le meilleur rendu : la n°14 est une œuvre pour orchestre de chambre, ce qui représente un travail très différent pour une grande formation comme l’orchestre Giuseppe-Verdi.

RM: La grande surprise de cette intégrale vient peut-être de votre interprétation des Symphonies à caractère de propagande politique, typiquement les n°7 « Leningrad » et la n°11 » 1905 » : elles perdent leur couleur pittoresque, gardent leur tension et trouvent un souffle, une unité qu’on ne leur connaissait pas.
OC: Pour la n°11, les chefs accentuent le côté illustratif de la Révolution de 1905, le caractère de poème symphonique, tandis que j’ai traité l’œuvre en symphonie. La n°11, c’est comme une icône, elle a un élément archaïque, quelque chose de linéaire qu’on ne retrouve pas ailleurs. Elle a ce côté très structuré de l’art russe, simple, dépouillé, comme l’architecture de Saint-Pétersbourg ou les icônes d’Andrei Roublov. On a, en Occident, une idée assez kitsch de l’art russe, avec plein de couleur, un côté sucré. L’art russe nait dépouillé, comme les églises blanches à dôme doré de Pskov. Je suis allé dans ce sens-là.

RM: On ne peut pas dire que la Symphonie n°7 « Leningrad » soit dépouillée…
OC: C’est la première symphonie où on sent les influences de Mahler et Moussorgski et Tchaïkovski ensemble. Chostakovitch s’y affirme enfin comme un grand orchestrateur personnel, il n’est plus un étudiant qui montre qu’il fait tout très bien. Désormais il a trouvé son langage. Le premier mouvement ne comporte aucun développement. Il y a aussi ce petit requiem avec un grand solo de basson à la fin du mouvement. Le troisième mouvement semble citer Haendel comme un hommage à la grande culture allemande, l’opposé de l’Allemagne nazie. Le final est sous-évalué. Cette œuvre a été trop jouée aux Etats-Unis au moment de sa création, elle est restée marquée par les circonstances de sa création pendant la guerre, alors que c’est une œuvre musicalement extraordinaire.

RM: Votre interprétation est particulièrement intense dans la Symphonie n° 6 que l’on dit « sans tête » ainsi qu’à la n° 9 qui, sous d’autres baguettes, paraît légère voire superficielle pour une œuvre composée en 1945 après tant de souffrances du peuple soviétique.
OC: La n°6 est effectivement difficile car elle présente un gros problème d’équilibre entre le mouvement lent initial et les deux mouvements rapides qui ont un caractère complètement différent. Je crois avoir réussi à donner sens à tout, je suis très heureux de cet enregistrement. Pour la n°9, on a beaucoup travaillé pour rendre son caractère néoclassique, cet hommage à Haydn.

RM: Les grandes Symphonies n°5, 8 et 10 sont structurées de manière plus classique, comment les avez-vous abordées ?
OC: Pour la n°8, il y a cette interprétation extraordinaire de Mravinski (2) que j’admire profondément. Pourtant, quand on regarde la partition, on s’aperçoit que Mravinski a ajouté beaucoup de rubati qui ne sont pas dans la partition. J’ai recherché l’économie de l’expression ; jouer simplement avec peu de vibrato. Il n’y a pas besoin d’ajouter, de remplir par des effets. La difficulté était d’avoir la confiance de ne rien faire, sans un phrasé qui aille dans une direction ou une autre, laisser la musique vivre par elle-même et respecter les métronomes de Chostakovitch qui sont très rapides.

RM: On pourrait ajouter la Symphonie n° 4 à cette liste.
OC: C’est la plus difficile, avec un effectif mahlérien gigantesque, une forme en trois mouvements. C’est une symphonie aux limites du possible…

RM: Les symphonies chorales ont-elles posé des problèmes particuliers ? L’ambiguïté de la n°13 « Babi Yar » est admirablement rendue, par exemple dans le dernier mouvement, où la musique peut sonner de manière terriblement prosaïque, comme une jolie kolkhozienne dans un champ de marguerites. Vous y restituez tout une ironie angoissante.
OC: Une des difficultés, particulièrement pour un orchestre italien, est la variété des caractères de cette œuvre. L’Italie est le pays de la beauté et de l’élégance et il fallait traduire le sarcasme, la méchanceté, la laideur, la vulgarité, comme dans le solo de trompette de la toccata de la n°8 qui sonne au-dessus d’un orchestre militaire. On a travaillé de manière assidue pour restituer toutes ces expressions, tant pour l’orchestre que pour le chœur. Pour les voix, j’ai pris des chanteurs russes. Chostakovitch voulait que le public ait un contact direct avec le chant, et demandait que l’on chante dans la langue du public. Il avait horreur des sous-titres qui existaient déjà à la fin de sa vie. J’ai dirigé la n°14 chantée en allemand, en Allemagne et en italien, en Italie, mais pour des disques destinés à l’international, le russe était la solution le plus logique.

RM: Le choix des chanteurs a-t-il posé des difficultés ?
OC: Pour la n°14, j’ai eu du mal à trouver Marina Poplavskaïa. Il n’y a pas besoin de grande soprano dramatique, car ce type de voix met un frein à cette musique. Je cherchais une soprano lyrique ayant une excellente diction, qui ait une voix moins grande, mais de l’agilité. Pour le baryton, j’ai entendu Mikhaïl Davidov à Spoleto, et j’ai pensé naturellement à lui, pour la variété des couleurs qui s’inscrivent dans la tradition des Italianisches et du Spanisches Liederbuch de Wolf. Pour la n°13, j’ai pris Pavel Kudinov car il fallait une voix plus lourde, une vraie basse russe dans le caractère de Moussorgski. A l’époque de la composition, Chostakovitch orchestrait la Khovanchtchina, et juste après il orchestrait les Chants et Danses de la Mort.

RM: La première et la dernière symphonies sont réunies sur le même disque, comme le début et la fin…
OC: Oui, j’ai voulu faire un cadre. La n°1 est la seule symphonie monothématique, sous l’influence de Scriabine, c’est-à-dire qu’on retrouve le même thème tout au long de l’œuvre, simplement présenté avec des intervalles renversés. La première difficulté est de faire ressortir ce monothématisme qui est caractéristique de l’œuvre, la seconde est de respecter les tempos, qui sont très difficiles à tenir car l’œuvre est extraordinairement virtuose. Chostakovitch se plaignait qu’on ne respecte pas ses indications métronomiques. Les chefs jouent les troisième et quatrième mouvements de manière lente pour en accentuer le pathos et leur faire annoncer les Symphonies n°5 et 6. Ces mouvements annoncent les symphonies successives, mais ils ne les préfigurent pas. Nous avons réussi à tenir les tempos, et la symphonie dure près de 10 minutes de moins que les autres versions. Surtout, en respectant l’équilibre des tempos précisés par Chostakovitch, on met bien en valeur l’élément monothématique. Une autre chose importante est que les deux premiers mouvements sont écrits dans le style du Nez. Chostakovitch s’ouvre à l’opéra ici, et on s’est attaché à faire véritablement chanter les thèmes. On ressent dans la n°15 l’influence de la Symphonie des Psaumes et de la Messe de Stravinski deux œuvres que Chostakovitch adorait, bien qu’il fût athée. Il y a une rigueur à tenir pour transmettre cette spiritualité.
Jean-Christophe Le Toquin, RESMUSICA.COM
19/04/2007
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Oleg Caetani
Première partie:
Melbourne s’en va-t-en guerre

Oleg Caetani est un chef italien formé à l’école de Nadia Boulanger et de la meilleure tradition orchestrale russe. Fort d’un quart de siècle d’expérience dans les fosses d’opéra, il est aujourd’hui à un tournant de sa carrière. En effet, il vient d’achever une nouvelle intégrale symphonique de Chostakovitch qui restera dans les annales, et a conclu en début d’année la première tournée en Europe de l’Orchestre Symphonique de Melbourne dont il assure la direction depuis 2005.

ResMusica: Votre intégrale des symphonies de Chostakovitch avec l’Orchestre symphonique de Milan Giuseppe Verdi, qui vient de paraître chez Arts sonne profondément russe. Pensez-vous être un chef italien typique ?
Oleg Caetani: Je me vois certainement comme un chef italien, mais pas comme un chef typiquement italien. J’ai appris de différentes traditions, française avec Munch ou Paul Paray, russe avec Golovanov, Gaouk, Kondrashin. Pour moi le plus important a été Moussine, qui a arrêté sa carrière de chef – il a assuré la deuxième exécution de la Symphonie n°7 de Chostakovitch – pour enseigner la direction d’orchestre à Temirkanov, Bychkov ou encore Gergiev, j’ai aussi beaucoup étudié la musicologie russe lorsque j’étais étudiant à Leningrad.

RM: Peut-on apprendre à diriger la musique russe dans les livres ?
OC: J’ai entendu, bien sûr, des chefs ascétiques comme Mravinski, d’autres plus instinctifs comme Svetlanov en concert et en répétition. J’ai assisté aux leçons de chefs, mais j’ai aussi appris le style russe en lisant la musicologie russe. Elle est extraordinaire, or personne ne la connaît à l’Ouest car la traduire représente un travail colossal pour une diffusion très limitée. Zuckerman, Maazel, Assafiev m’ont aussi beaucoup apporté sur le plan analytique.

RM: Vous avez également été marqué par l’enseignement de Nadia Boulanger en France, l’Italie n’a-t-elle pas joué de rôle dans votre formation ?
OC: J’étais en Italie au début des années 70, et le pays était encore très marqué par 1968. Un jour il y avait la grève des portiers, puis commençait celle des professeurs, après c’était celle des élèves… A Rome, c’était le chaos complet, il fallait se battre pour bien étudier. Dieu merci dans les années 73-76, il y avait Ferrara. Il y avait aussi Mario Rossi, qui a fondé et formé l’orchestre de la RAI de Turin. Personne ne se souvient de lui, à la RAI vous ne trouverez même pas une plaque rappelant son nom, et pourtant c’est à cet homme que l’orchestre doit sa réputation. Quand je suis arrivé à Moscou, ce fut la douche froide : une atmosphère victorienne, très sympathique mais autoritaire, puritaine, on ne pouvait pas faire autrement que de bien travailler. Kondrashin ne faisait jamais un compliment. Un jour que je traversais en courant le hall du Conservatoire, un professeur m’arrête : « Pourquoi cours-tu ? Tchaïkovski marchait ici ». Mes années à Leningrad m’ont aussi beaucoup apporté.

RM: Vous avez dirigé de nombreux opéras, mais votre actualité avec l’orchestre Giuseppe Verdi et celui de Melbourne avec lequel vous avez achevé une tournée européenne au début de cette année, semble désormais plus orientée vers la musique symphonique.
OC: Je suis lassé de travailler avec les metteurs en scène. Je ne suis gêné ni par les mises en scène très modernes ni par celles traditionnelles, mais on voit toujours les mêmes choses, et les périodes des productions sont trop longues. Elles durent au moins six à huit semaines, dont cinq semaines de répétition pour la seule mise en scène, avec tellement de rabâchage que lorsqu’on aborde enfin la musique, les chanteurs sont fatigués, éteints sur le plan musical, et il n’y aucune disponibilité pour faire la balance entre la mise en scène et la musique. J’ai appris de certains metteurs en scène, je suis ouvert à leurs propositions, mais j’ai dirigé mon premier opéra à vingt-quatre ans, j’en ai cinquante aujourd’hui, et je n’ai plus envie de revoir toujours les mêmes choses. Je dirigerai encore des opéras, mais en version concertante, je vais réaliser à Melbourne certaines raretés comme Benvenuto Cellini de Berlioz, Poliuto de Donizetti ou Œdipe de Enescu.

RM: Benvenuto Cellini, que vous aviez justement dirigé à l’opéra de Strasbourg en 2006 (lire notre chronique).
OC: Cet opéra ne fonctionne pas sur scène, c’est un opéra-comique qui n’est pas drôle, et si on le prend au sérieux en mettant en relief le destin de l’artiste, alors le livret manque d’étoffe. En concert, on peut faire apparaître toute la richesse prodigieuse de cette musique, alors que sur scène on ne s’en sort pas.

RM: Vous assurez la direction musicale de l’Orchestre de Melbourne depuis 2005. Le principal partenaire est la compagnie aérienne Emirates. On sait les très ambitieux projets des Emirats-Arabes-Unis en matière de construction de musées avec le Guggenheim ou le Louvre. Faut-il y voir la volonté de Dubaï de devenir un foyer de rayonnement musical ?
OC: C’est tout simplement que le responsable d’Emirates en Australie adore la musique classique. Ceci dit vous avez raison, la fondation d’un orchestre symphonique fera vraisemblablement partie de l’ambition culturelle internationale de Dubaï.

RM: Votre tournée européenne incluait cinq dates en Espagne, une à Paris (lire notre chronique), Berlin et Milan, et curieusement aucune au Royaume-Uni ?
OC: La raison en est pratique, il n’y avait pas de salle disponible à Londres, et les salles dans d’autres villes comme Manchester étaient inabordables. L’Espagne en revanche poursuit une action de promotion de la musique classique qui est la plus dynamique de toute l’Europe. Vingt-cinq salles extraordinaires viennent d’être construites dans tout le pays, et le public afflue. Nous avons fait salle comble à Madrid dans un auditorium de 2300 places alors que deux heures auparavant l’Orchestre National d’Espagne avait lui-même fait le plein dans la même salle. Le public français s’est montré quant à lui très ouvert et sympathique.

RM: Vous avez permis aux Italiens de découvrir Chostakovitch, y a-t-il d’autres répertoires à faire découvrir aux mélomanes ?
OC: Oh oui ! Très curieusement le fossé semble s’être creusé entre les publics des différents pays. Par exemple, on ne joue plus Elgar et Vaughan Williams en Allemagne ; on y joue Reger mais pas Delius qui en est pourtant très proche et dont le Concerto pour violon est magnifique. Sibelius peine toujours à être pleinement apprécié en France et en Italie, alors qu’il est très populaire en Australie… pays où l’on n’aime pas Bruckner. Ildebrando Pizzetti était très joué en Allemagne dans les années 30, mais quand je l’ai enregistré là-bas pour Marco Polo, aucun musicien ne connaissait sa musique.

RM: Vous participez à la redécouverte d’un répertoire français ignoré, du moins en France, avec l’intégrale d’Alexandre Tansman.
OC: Il y a encore des trous dans la discographie du XXe siècle. On a commencé à mieux explorer l’œuvre de compositeurs tels que Skalkottas ou Roberto Gerhard, et il y a Tansman qui reste oublié. Il a composé énormément, dont neuf symphonies, qui n’ont jamais été considérées comme un cycle curieusement, et dont la première a été perdue. Après un premier disque réunissant les Symphonies n°4 à 6, nous publierons en mars les Symphonies n°7 à 9. Tansman est un musicien polonais qui, hormis la période de la seconde guerre mondiale a vécu en France. Il a un style français, mais pas trop, avec une polytonalité sans excès. Je le considère plus original et personnel que Darius Milhaud par exemple. Paris a toujours inspiré les compositeurs venus de l’Est d’une manière très spéciale, que l’on pense à Chopin, Tchaïkovski ou Stravinski. Comme Martinu ou Enesco, Tansman est devenu parisien mais en gardant ses racines.

RM: Quels projets avez-vous pour cet orchestre?
OC: La multiplicité des expériences. Les enregistrements en concert, les enregistrements en studio, les tournées, l’opéra, tout cela représente des exercices bien différents qui permettent de développer un orchestre. Nous travaillons déjà à notre prochaine tournée en 2009 en Asie, puis ce sera l’Amérique.

A lire également notre chronique du concert du 29 février 2004 où Oleg Caetani avait été révélé au public parisien : « Vous avez dit apprenti sorcier ? »
Jean-Christophe Le Toquin, RESMUSICA.COM
29/03/2007
see the original interview here

Finale leaves
audience breathless
Melbourne Symphony Orchestra
Hamer Hall, Melbourne
THE MSO's decision to present the complete Tchaikovsky symphonies this year, in three concerts, has been a resounding success.
Pairing the six symphonies to provide maximum contrast and insight into the development of Tchaikovsky's compositional style (Symphonies 3 and 5, 2 and 4, 1 and 6), each concert has provided a satisfyingly complete musical experience.
Most exhilarating has been the level of sophistication and vivid intensity achieved by the MSO under the baton of chief conductor Oleg Caetani. This final sell-out concert, pairing Tchaikovsky's first and last symphonies, was no exception.
The obvious Mendelssohnian elements found in Tchaikovsky's Symphony No1 are tempered by the latter's distinctive treatment of melodic interplay, thematic development, and orchestration. Many performances fail to acknowledge this, and treat it instead as light, atmospheric ramblings by a young composer eager to impress.
In contrast, Caetani realised the work's crisp, luminescent brilliance and extroverted insouciance, but also fully explored the dramatic, brooding contrasts relentlessly pervading the work. The string section particularly impressed with sustained phrasing, tonal colouration, and precise, sensitive articulation and dynamics.
In the second movement, the violas handled exposed soli with great confidence, musicality and a uniformly full-bodied tone. String and woodwind sections excelled in the final movement's contrasts from austerity to sweeping, jolting folk melodies. Brash trombone entries were less welcome.
Poorly handled, Symphony No6 can become a trite exercise in sentimentality, melodrama, and melody. Caetani easily met the challenge, demonstrating that he is most comfortable with music deeply felt and of epic proportions. The popular melodies of the first and second movements, while treated with appropriately expansive phrasing, were placed in a broader context of subtle timbral and dynamic elements, reflecting Tchaikovsky's extensive expression markings.
In the first movement, the Allegro's first subject was treated with exemplary sensitivity by the violas, flute and clarinet, while the ominous, unrelenting timpani pedal point through the second movement's trio section was outstandingly restrained.
The third movement was presented with impressive flourish; the persistent, driving triplet motion slightly contained so as to create a simmering intensity leading all the way to the final majestic march.
The triumph was the incomparable finale. Few symphonic movements are so laden with pathos, or so frequently victim to conductors' histrionics. Here, the MSO demonstrated searing intensity, not only during the movement's impassioned climactic swells but through to the work's final disconsolate whisper.
Even those audience members perennially keen to lead the applause allowed a slight pause; the collective sigh an audible indication that this extraordinary music, handled well, is profoundly moving.
Eamonn Kelly, The Australian,
December 10, 2007

December 2007
"Le Diapason"

Nouveauté
ALEXANDRE TANSMAN (1897 - 1986)
Symphonies n.7 "Lyrique",
8 (Musique pour orchestre) et 9.
Melbourne Symphony Orchestra,
Oleg Caetani
Orchestre profond, capté avec recul dans une acoustique généreuse.
Bonne Localisation des instruments. Trés bel équilibre spectral, bonne définition et grande dynamique.
Une symphonie de l'exil américaine, et deux oeuvres écrites après le retour à Paris où Tansman allait être peu à peu oublié, vilipendé par les thuriféraires des nouveaux courants, La Symphonie n°7, commencée entre chiens et loups, avec son thème ''thrènodique'' se révèle, à mesure qu'on la découvre, une ode à Stravinsky, un somptueux exercice cubiste,éclatants de couleurs, en rythmes aigus, avec ce diatonisme ensoleillé qui valait de si beaux succès à Tansman aux Etats-Unis.
Quelques pointes de jazz, une pincée d'accents klezmer-une orchestre de mariage entonne sa ritournelle dans le finale motoriste- tout cela me ramène à une sorte de folie très années 1920 en...1944.
Nostalgie certaine d'un bonheur enfui dont Stravinsky était bien la figure tutélaire. On sent encore cette empreinte dans l' Allegro con moto de la Musique pour orchestre, parent de la Symphonie en ut mais son incipit à la petite harmonie annonce clairement les recherches de timbre qui vont transcrire l'imaginaire poétique du compositeur.
La Symphonie n°9 commencée dans un immense tohu-bohu d'orchestre, est bien son chef-d'ouevre des années 1950, partition tourmentée ou fantasque-le Molto Vivace -,où les mètres de la musique populaire polonaise s'invitent avec une liberté formelle déconcentrant.
Le sommet de l'oeuvre reste bien ce Grave , nocturne urbain à la lyrique inquiète qui rappelle que Tansman dormait et aimait composer jusq'au coeur de la nuit. Caetani donne une carrure splendide, découplée, aux ardentes formules rythmiques qui parcourent ces partitions.
L 'orchestre de Melbourne en déploie toutes les couleurs épicées, donnant toutes ses chances à ce premier enregistrement mondial des 7° et 9°, pour lui permettre de séduire un nouveau public.
Un troisième volume nous offrira la Symphonie n°2 et le Concerto pour orchestre – à défaut de la Symphonie n°1 , dont la trace est à ce jour perdue.

West Australian
Symphony Orchestra
shines with guest star
Violin: Ilya Gringolts.
Conductor: Oleg Caetani.
Perth Concert Hall, March 16, 2007
While orchestras across the country have been opening their 2007 seasons with their chief conductors at the helm, the West Australian Symphony Orchestra has borrowed the Melbourne Symphony's Oleg Caetani. [...] The choice of Caetani was an inspired one, and his rapport with the orchestra was tangible.
The performance of Rachmaninov's second symphony was one of WASO's finest. This was passionate and committed playing from start to finish, with all sections of the orchestra in top form.
In a work that relies heavily on the violins to sustain the musical line, it was evident just how well concertmaster John Harding has transformed the quality of the violin sound during the past couple of years. Throughout this hour-long symphony the string playing was focused, intense and highly expressive. From the restrained emotion of the slow introduction and the incisive bite of the scherzo to the yearning ardour of the big, romantic tunes, the playing unfailingly revealed the musical heart of the work.
Supported by excellent trumpets and horns, and a sensitively crafted clarinet solo, this was a very distinguished performance.
Caetani coaxed and charmed the orchestra every step of the way, his manner aristocratic and commanding, but without histrionics. With impeccable taste he struck just the right balance between urgency and restraint: the climaxes were judged to perfection, expressively powerful and never over-baked. Remarkably, he made all this seem quite effortless.
This performance showed once again the levels to which WASO can aspire under a conductor of Caetani's stature. That sums up the considerable challenge facing the orchestra.
Mark Coughlan,
The Australian, 19 March 2007

Melbourne
Symphony Orchestra.
Conductor: Oleg Caetani.
Hamer Hall, Melbourne, March 8-10, 2007
[...] During 2006, it became clear that Caetani was directing his string players towards a specific sound and attitude, richer timbres, more sustained phrasings, more sophisticated and thoughtful tonal colourations, more conviction. In this concert, Caetani's vision was fully realised without lapse, the level of intensity leaving many players exhausted.
Orchestral ensemble and balance were faultless. The orchestra's wind section, which is a long-acknowledged strength, demonstrated fresh buoyancy, with particularly fine performances from Rolf Kuhlmann and Jeffrey Crellin.
Caetani maintained a decorous presence on the podium, displaying the trademark elegance, charm and humility that has already earned him the affection of Melbourne audiences. If his gentle smile to the audience at the concert's conclusion revealed his satisfaction, it also suggested a determination that the MSO's newfound momentum continue. And that, all acknowledge, will be the hardest part.
Eamonn Kelly,
The Australian, 12 March 2007

Melbourne
Symphony Orchestra
European Tour, Jan/Feb 2007
“Caetani conducted from memory and took the podium in the manner that was reminiscent of the old masters. His conducting was confident and emphatic and not overly exaggerated in gesture, although very eloquent.”
“The relationship between the lower strings of the orchestra and the soloist [Repin] was very beautiful with delicate soft playing in the second movement [Sibelius Violin Concerto] and opening up with an explosion of strings in the theme of the third movement.”
“The Rite of Spring was impacting to say at least. Caetani conducts the orchestra by heart and he reads it like the old maestros. That is, a version without hesitation of what this violent score describes in many of its segment. His conducting is secure, rotund. without exaggerated gestures, but very eloquent. His tempo is steady, devoid of that hurried feeling that young conductors favour nowadays. In the passages in which the instruments - especially the wind - sound like knives, there is no fear or wish for them to tone down. The percussion is so powerful that it appears to breack the drums, but that is the way in which the contrasts of this essensial score show off all their splendour. The public applauded until the maestro came back repeatedly onstage... ”
Diario de Noticias (Pamplona)

“Concert of the Melbourne Symphony Orchestra...under the masterful leadership of the conductor, maestro Oleg Caetani. Excellence, versatily and perfection joined forces on the stage.“
C.G., El periodico del Mediterraneo (Castellon)

“Oleg Caetani achieved the objective [of the music] of Rachmaninov's Second Symphony effectively, with a lot of expression and moments of excellence. Long applause followed.”
Heraldo de Aragon (Zaragoza)

“The Australian orchestra impressed for its precision of attacks of the winds and the dynamics of the percussion...But above all with Stravinsky's Rite of Spring the MSO was able to prove the cohesion of its sections and its sense of rhythm.”
Agence France Press (Paris)

“Seltene, aber überraschende Gäste. Im Konzerthaus gastierte das australische Melbourne Symphony Orchestra unter Leitung von Oleg Caetani und verstand, vom ersten bis zum letzten Takt seines anspruchsvollen Programms zu fesseln.”
“Caetani hatte Werk wie Orchester glänzend im Griff und steuerte es mit sicherer Hand durch die hochschäumenden rhythmischen Katarakte, die mit schlafwandlerischer Sicherheit hervorbrachen und an Temperament nichts zu wünschen übrig ließen. Es setzte zu Recht lautstarke Bravorufe.”
Gtl, Berliner Morgenpost

“...be impressed by the direction of Oleg Caetani. Conducting the programme from memory, with an elegant, precise and economical beat, his feet riveted to the podium, and sometimes sporting the smile of someone enjoying his own skills, he gave an interpretation of the Rite of Spring that was at once technically impeccable and as attentive to poetry as to brilliance...“
Jean-Claude Hulot, Diapason (France)

“La première visite sur le sol français du Melbourne Symphony Orchestra est sans doute un grand événement pour ses musiciens, mais l'est-elle pour les mélomanes ? On répondra affirmativement”
“On en est encore plus convaincu après avoir entendu l'orchestre, la semaine dernière, à l'Auditori de Barcelone. Cordes disciplinées à l'allemande, vents d'une ductilité toute française, cuivres chauds et racés : c'est une berline sportive et bien carrossée que pilote depuis 2005 Oleg Caetani, son chef permanent et directeur musical prodigue.
Après des Sortilegis du Catalan Montsalvatge mettant en valeur la souplesse et la finesse de coloris de la phalange phare australienne, le Concerto pour violon de Sibélius interprété par Vadim Repin, puis la Symphonie n° 2 de Rachmaninov ont prouvé la solidité de la formation, capable d'expressivité intense, sans perdre en fraîcheur et raffinement. La lisibilité et la noblesse d'un autre âge de la gestique de Caetani, qui dirige par coeur, est assurément de celles qui inspirent. Départs, dynamiques, phrasés, pas une indication qui ne soit claire ; le tout sans pose, grimaces, ni agitation superflue.”
Eric Dahan, Libération (France)

“Hi havia interès per tornar a sentir Vadim Repin, un dels grans violinistes del moment, i conèixer una de les orquestres orientals més promocionades a les ordres d'un director valorat a l'alça com és Oleg Caetani, el seu titular des de fa dos anys. Aquesta és la segona gira europea de la Simfònica de Melbourne, que, quan es vol lluir, juga les cartes de la solidesa, la potència i una sonoritat fosca i contundent,...”
“L'estil de Caetani denota el mestratge de Kyrill Kondraixin, el treball amb Otmar Suitner i vincles continuats amb importants orquestres i òperes centreeuropees. Va tocar Montsalvatge aliè al seu esperit irònic, no es va adaptar a Repin com si el volgués esperonar i va convèncer amb una enèrgica concertació de la Simfonia amb resultats admirables fins a l'esmentada espessor final. Magistral!”
AVUI (Barcelona)

Melbourne
Symphony Orchestra,
Melbourne Chorale and soloists,
Hamer Hall, Melbourne, 11 Dec 06
A centenary celebrated in emphatic style
“Boisterous standing ovations are a rarity in Melbourne. However, special occasions and special performances call for drastic measures, and on Monday evening a streamer-strewn Melbourne Symphony Orchestra basked in one of the longest and largest ovations seen in this decorous city.
The applause was well deserved. One hundred years to the day after the MSO's first performance, it honoured a proud history in confident, emphatic and jubilant style. In a program that exposed every element of the orchestral palette, the MSO excelled; a vigorous reminder of this ensemble's capacity for truly scintillating results when musically inspired.
“A crisp and bright rendition of Paul Dukas's brief Fanfare pour preceder La Peri (1912) majestically started proceedings.
“Gordon Kerry's Clouds and Trumpets was commissioned for the occasion. Drawing its title from a line irreverently penned by the mythical Ern Malley (“an entelechy of clouds and trumpets”), Kerry's vignette considers the powerful metaphysical connotations that ridiculers James McAuley and Harold Stewart (however inadvertently) created. Musically, it is expansive, compelling and restless, somewhat indecisively frenetic thematically and texturally rich. It fittingly showcased the MSO's versatility.
“Surprise speaker Geoffrey Rush lingered on music's ability to inspire and transcend, citing the aspirational sentiments of Beethoven's Ninth Symphony: Alle Menschen werden Bruder (All men become brothers). The ensuing interpretation of this colossal work by the MSO proved his point. The attention to detail was startling, the refinement absolute and the commitment intense. There was freshness and vitality to the playing, and a level of concentration that saw a near-perfect execution. While there were some stand-out performances, each orchestral section demonstrated the highest level of skill and insight, and every performer deserves praise.
“The ever-suave Oleg Caetani conducted without score while effortlessly observing even the slightest nuances. His phrasing and choice of tempos showed great musical intuition, including a faster than usual second movement; although the orchestra was left hanging on for dear life, not a single note was dropped, and the cheeky surprise of a Beethoven second movement scherzo made all the more powerful.
“At 100, the MSO combines talent and confidence with humility and vibrant creative ambition. Before legions of loyal subscribers and dignitaries, the MSO was reminded of something equally important: Melburnians are not merely proud of this orchestra; they feel affection and ownership for an institution that forms an integral part of their civic identity.”
Eamonn Kelly, The Age, 15.12.06

Interview with Oleg Caetani prior to Melbourne Symphony Orchestra’s 100th anniversary European tour October 13, 2006
Symphony takes Tchaikovsky to the world
MELBOURNE sells itself short, according to the Melbourne Symphony's music director and chief conductor, Oleg Caetani. “People under-value the city's cultural background and don't appreciate just how solid it is,” he says.
At the beginning of his third year with the MSO, Caetani is using his profound knowledge of European music-making to act as a mirror for the orchestra, reflecting an image new to most of Melbourne's music lovers, including the musicians.
“I think the Melbourne public is very open to journeys of musical exploration because it is not as conservative as some people imagine,” he says.
The MSO's year will begin with a different journey — a two-week tour of Europe that will include Paris, Berlin, Madrid, Barcelona and other Spanish cities in January to celebrate its centenary.
“The MSO is the only centenarian among Australia's performing arts organisations,” he says. “Many do not realise just how rare this is — it is older than any radio orchestra in Europe and is only 20 years younger than the Berlin Philharmonic. Therefore it already has a great tradition.”
Caetani will return from Europe with the orchestra next February to conduct all four free concerts at the Myer Music Bowl.
In a move typical of his programming, the first concert will include the Australian premiere of the first symphony by the Russian composer Vasily Kalinnikov, who was strongly influenced by Tchaikovsky before his untimely death in 1901, two days short of his 35th birthday.
This will serve as an introduction to the performance of all six Tchaikovsky symphonies during the year in “arranged marriages” of each of the less popular first three works with the final three — third and fifth, first and sixth, and second and fourth.
“These works are often considered straightforward and easy to enjoy, but I consider them modern for their time, requiring a particular taste and style.”
Each concert will be conducted by Caetani and recorded under the MSO Live label as part of his plan to give people the opportunity to hear the most popular works in the orchestral canon — by composers such as Brahms, Mahler, Tchaikovsky and Bruckner — played by an Australian orchestra.
The centenary celebrations include a rare visit by one of Australia's most acclaimed conductors, Sir Charles Mackerras, who will conduct Dvorak's Serenade for Strings and Elgar's Enigma Variations in November.
Caetani plans to spend much more time in Australia next year, following his withdrawal from the post of music director at the English National Opera after the upheaval in which it lost its chairman and CEO.
He will continue to audition young singers in his search for people to sing in the annual opera-in-concert performance he has introduced.
Next year it will be Puccini's 1910 composition, The Girl of the Golden West, a big work that he decided to do after the success of Verdi's Otello in 2005.
Caetani believes the opera is relevant to Melbourne because of its similarity to California's gold rushes. “But it must have been even more isolated in Victoria,” he says.
The opera and other concerts featuring works by American composers will coincide with next winter's masterpieces exhibition at the National Gallery of Victoria — a selection of works from the Guggenheim Museum's global network.
A new work by composer Ross Edwards will receive its world premiere in November. It follows his acclaimed oboe concerto and was written for the MSO's principal clarinet, David Thomas.
Caetani will continue to explore the works of one of the past century's great composers, Dmitri Shostakovich, in a concert that will include three Australian premieres — the second symphony, the suite from the opera The Nose, and two Scarlatti pieces for wind. It will also feature the ninth symphony, a bitterly ironic response to World War II, and the second cello concerto.
The concert will also be recorded for release on the MSO Live label.
Robin Usher

Tansman: Symphonies Nos. 4-6,
Melbourne Symphony
Orchestra (Chandos), Oct 2006
The first installment in a complete cycle of Tansman’s virtually unheard symphonies, this disc features the three major works of his American years. The fourth Symphony flows with a bittersweet melodicism; the Fifth is even better, a darker, churning piece that still brims with irresistible lyricism; less successful, the Sixth is a memorial for France’s war deaths, with a Honegger-like choral finale. The Australian ensemble’s beautiful performances are the best sort of advocacy, with rich Chandos sound besides.
Bradley Bambarger, The Star Ledger, 24.10.06

Oleg Caetani wins Diapason d'Or 2006
Oleg Caetani celebrated his 50th birthday on October 5th with the news that his recording of Alexandre Tansman’s Symphonies No. 4, 5 and 6 with his orchestra, the Melbourne Symphony, has won the 2006 Diapason d’Or from Diapason Magazine. He is recording all nine symphonies with the Melbourne Symphony Orchestra for Chandos following his Shostakovich cycle for Arts Music.
Read the Diapason review here

Interview with Oleg Caetani
La Orquesta Sinfónica de Melbourne (MSO, teniendo en cuenta sus siglas en inglés) cumple un siglo y lo celebra con una gira europea que la llevará por España, Francia, Alemania e Italia. “Sólo tiene 24 años menos que la Sinfónica de Berlín”, deja caer su director, Oleg Caetani. Una precisión que incita a descubrir el vigoroso mundo de la música clásica no sólo en Australia, sino en la cuenca del Pacífico, y del que a Europa sólo llegan los virtuosos orientales. La gira española de la MSO arranca hoy en el Auditorio de Castellón. Mañana actuará en el Auditorio de Barcelona; el 24, en el de Zaragoza; el 25, en el Baluarte de Pamplona, y el 27, en el Auditorio Nacional de Madrid, antes de viajar a Francia. Son 107 músicos y cinco toneladas de material lo que llega de las antípodas.
“La de Melbourne es una orquesta técnicamente perfecta. Tiene un sonido muy caliente, muy europeo. La de Sidney es más americana”
Oleg Caetani (Lausana, 1956) se formó bajo la tutela de grandes nombres como Nadia Boulanger o su padre, Igor Markevitch. En 1979 ganó el concurso de directores de orquesta de la RAI, en Turín, y en 1982 fue laureado del concurso Karajan de Berlín. Fue ayudante de la Ópera Estatal de Berlín, maestro de capilla en Francfort, director invitado de la Staatskapelle de Dresde, recientemente ha grabado la integral de Shostakóvich.
Pregunta. Usted conoce bien España, donde vivió durante su infancia. ¿Cómo ha cambiado en el campo de la música clásica?
Respuesta. La evolución española es la más increíble de todos los países europeos en los últimos 20 años. No sólo en lo que respecta a los nuevos auditorios que han sido construidos en todos lados y que son extraordinarios, sino también por las orquestas. Creo que las pequeñas orquestas en España son las que más han evolucionado. Las grandes, la Orquesta Nacional, la Sinfònica de Barcelona, ya eran buenas hace 30 años. Pero cuando yo era pequeño, las orquestas de provincias no daban el nivel, y ahora son orquestas sinfónicas importantes, internacionales. La orquesta de Valencia, por ejemplo, cuando la dirigí en 1982 era muy mediocre. Ahora es una orquesta internacional. Por no hablar de los directores. Acabo de invitar a Pons a dirigir en Melbourne, porque nunca ha dirigido en Australia, también he invitado a Bosch. España tiene nuevos directores de gusto internacional y personalidad muy interesante.
P. ¿Y el público?
R. Es más intelectual que en el pasado. El público español siempre ha sido muy curioso, atraído por la novedad, pero ahora es más culto y más crítico que en la época franquista. Entonces era imposible pensar que pudiera producirse un abucheo, ahora no. En Madrid se abucheó a la Filarmónica de Viena cuando tocaron el Bolero de Ravel.
P. ¿Cómo se combina vivir en Europa y dirigir una orquesta australiana?
R. Vivo en Florencia. Mi mujer, pianista, es de allí. La primera vez que uno hace un viaje de 30 horas para ir a trabajar le parece una aventura increíble. Pero ahora ya no. Durante el vuelo, trabajo, estudio mis partituras y duermo un poco. Cuando me despierto ya estoy en Melbourne. Hago tres visitas al año de un mes y medio.
P. Compare la MSO con una orquesta europea.
R. Será una sorpresa porque es una orquesta técnicamente perfecta. Tiene un sonido muy caliente, muy europeo, a diferencia de la de Sidney, que es más americana.
P. ¿Cómo es el ambiente musical australiano?
R. Muy especial. Se parece un poco a España, con la diferencia de que la tradición musical sólo tiene 150 años. Pero la MSO es centenaria. En un país nuevo, sin tradición, tenemos una orquesta más antigua que cada una de las orquestas de la radio de Europa y que tiene sólo 24 años menos que la Filarmónica de Berlín. La MSO tiene una tradición propia. Los violinistas, por ejemplo, llegaban todos de Europa central y del Este: rusos y polacos. Por esta razón, el sonido de las cuerdas es muy denso, muy, muy bonito. Las maderas y los vientos son muy transparentes, brillantes, de un sonido agresivo. Es una orquesta ideal para La consagración de la primavera, de Stravinski, y para Chaikovski. Es una orquesta rusa con los vientos franceses. Ideal. En Madrid haremos La consagración de la primavera. Y tocaremos también una obra de Montsalvatge, un compositor al que quiero mucho y a quien conocí personalmente. También haremos la Segunda de Rachmaninov. El público español es muy abierto, no está tan ideologizado como el italiano, el alemán o el francés...
P. ¿En qué sentido?
R. En lo que respecta a la música del siglo XX, que sigue siendo muy difícil de aceptar para según qué público. En Italia se siguen las tesis de Adorno: Schönberg, Weber, Berg, Stockhausen... y no se programan otras corrientes del siglo XX, ni Sibelius, ni Rachmaninov, y muy poco Shostakóvich. En España siempre he tocado mucho Rachmaninov, Sibelius, Prokófiev..., todo.
P. ¿Cuál es el repertorio de la MSO en Australia?
R. Bastante conservador. Brahms, Beethoven, Bruckner -poco-, Strauss, y ahora también mucha música del siglo XX. También hago música australiana. Muy interesante, porque Australia no tiene el problema que tenemos los europeos. Hay compositores dodecafónicos, tonales, modales, minimalistas... de todos tipos. No tienen el peso cultural de, por ejemplo, un francés, que se pregunta: después de Debussy, Berlioz Ravel..., ¿qué se puede componer? O para un alemán.
P. ¿Cuál es la influencia de la música clásica oriental?
R. Mi predecesor fue un japonés durante 20 años, Iwaki. El contacto con Japón es muy importante. La MSO va mucho a Japón y a toda Asia: Corea, Vietnam, Malaisia, donde hay una gran orquesta, Singapur. Tenemos un número importante de músicos chinos. Y si en un concierto hay un solista chino, se llena la sala.

Sir John in Love,
English National Opera,
March 2006
“Caetani’s conducting is easily the best thing about this production…
But it is Caetani who lets the opera speak, who understands that the key to Vaughan Williams’s lyricism is pace and texture, who inspires the ENO orchestra to its best playing since – well, since Caetani’s only previous visit three years ago. From start to finish you sense an air of command and authority emanating from the pit, but it is not of the control-freak variety: Caetani gives everyone space to express themselves while generating dynamism and fluency.
No one is pretending that Sir John in Love deserves a permanent place in the repertory, but Caetani convinces us it deserves our attention. He brings to ENO the class, experience and international perspective it badly needs.”
Andrew Clark, Financial Times, 5.3.06

“Oleg Caetani brings out the best in this lovely score, which coupled with the visual magic of the final scenes leaves one delighted, exhilarated and wanting more.”
Helen Wright, Music OMH.com

“It's conducted with humorous passion by Oleg Caetani...”
Tim Ashley, The Guardian, 4.3.06

“Caetani and the orchestra play the score superbly.”
Hugh Canning, Sunday Times, 12.3.06
“There are stylish contributions from Andrew Kennedy, Robert Tear, Iain Paterson, Stuart Kale and… Oleg Caetani... Now lush, now skittish, occasionally ravishing, Vaughan Williams's score is accorded the Rolls-Royce treatment befitting this Model T Ford of an opera, which will probably prove a much-needed hit for embattled ENO.”
Anthony Holden, The Observer, 12.3.06

“Sarah Fox (Anne) and Andrew Kennedy (Fenton) showed how singers from a younger generation could learn so much from being a regular part of an ensemble like this, and from working with a conductor like Oleg Caetani, whose musical presence and authority were stamped on the performance from the start.”
Andrew Clements, Opera Magazine, May 2006

Benvenuto Cellini,
Opéra du Rhin, Strasbourg,
Jan/Feb 06
“La partition est complexe, avec ses rhythmes bizarres entrelacés et ses grandes scènes chorales concertantes… Oleg Caetani parvient à maîtriser tous ces paramèters, tandis que l’Orchestre philharmonique de Strasbourg sonne avec beaucoup d’éclat et que les choeurs (Opéras du Rhin et de Nice) surmontent tous les pièges.”
Jean-Luc Macia, La Croix, 20.01.06

“Sous la baguette d’Oleg Caetani, le Philharmonique de Strasbourg sert lui aussi très fidèlement cet opéra qui cristallise les multiples facettes de la démesure et du génie du compositeur.”
Marc Munch, Dernières nouvelles d’Alsace, 17.01.06

“Quant à Oleg Caetani, il a su tirer une énergie et des contrastes remarquables de l’OPS.”
A. Su, l’Alsace, 01.02.06

“Le pari est parfaitement réussi, grâce à l’excellent Orchestre Philharmonique de Strasbourg et aux excellents choeurs de l’Opéra National du Rhin et de l’Opéra de Nice sous la direction d’un Oleg Caetani sobre, qui, sans effets de manche, sans clinquant, tient fermement son petit monde. Pas un seul décalage, pas une seule fausse note ne sont venus entacher l’exécution.”
Catherine Scholler, resmusica.com, 02.02.06

“Oleg Caetani qui tire le meilleur d’un orchestre de Strasbourg très précis.”
Pierre Breiner, cyberclassique.com, 01.02.06

“Face à une partition redoubtable entre toutes, la direction d’Oleg Caetani se révèle affirmée…”
Pierre-René Serna, Scenes Magazine, 02.06

“Diese gewaltigen Ansprüche galt es zu realisieren. Unter der Gesamtleitung von Oleg Caetani agierend vereinigten sich als Instrumentalbasis das “Orchestre Philharmonique de Strasbourg” mit dem von Michel Capperon präparierten Chor der Rheinoper sowie dem Chor der Oper von Nizza (Leitung: Giulio Magnanini). In der Summe also Garanten für ein wirkungsvolles Ausreizen musikalischer…”
Von Gunter Thiel, Mittelbadische Presse, 19.01.06

“Oleg Caetani, langjähriger musikalischer Chef in Wiesbaden, hat aus den drei verschiedenen Fassungen der Opera nicht nur eine mehr als überzeugende Bühnenversion präsentiert: Unter seiner Leitung entfaltete das Orchestre Philharmonique de Strasbourg die gesamte Berlioz’sche Orchsterpracht.”
Dagmar Gilcher, Die Rheinpflaz, 19.01.06

“The conductor Oleg Caetani chose Colin Davis’s Covent Garden version of 1966 with the minor revisions that Berlioz had made after the premiere and also for the performance at Weimar in 1856….Caetani brilliantly exploited the weight, colour, vibrant rhythms and fervent intensity of the music.”
Rolf Fath, Opera Magazine, May 2006

Symphony No. 11,
Sydney Symphony Orchestra,
Sydney Opera House, Nov 2005
“Maestro a master of control”
“Oleg Caetani, the Melbourne Symphony Orchestra's chief conductor, presents a self-possessed, unruffled image on the podium. Preferring precise gestures to grand, rhetorical flourishes, the lasting impression left by this Sydney visit was of a conductor who combines musicality and intelligence to a rare degree.
“Caetani's deeply considered approach and ironclad control worked wonders in Shostakovich's Symphony No.11, “The Year 1905”. In less assured hands, this piece can be bombastic, crass and structurally problematic. Not so here. Right from the eerie, hushed opening, Caetani created an organically conceived interpretation that superbly balanced clear-sighted vision with a discipline that kept the smallest of details in sight.
“His ability to negotiate transition points was masterful, especially in the final movement where helter-skelter excitement and steely determination were carefully integrated with the quieter reflective passages. Although Caetani's tempos were slow in parts, his well-judged changes of pace highlighted the music's many contrasts.
He also proved to be a master of atmosphere, sustaining a mood of nervy uncertainty right through the long, drawn-out development of the first movement. Far from diluting the symphony's emotional impact, Caetani's focused restraint had the opposite effect. The third movement funeral march, for instance, became a dignified outpouring of grief and anger that was all the more affecting for being simply and plainly expressed.
“For a display of overwhelming orchestral power, it was impossible to overlook the second movement, where Caetani built his forces up to a relentless crescendo of almost unendurable brutality and savagery before magically subsiding to a haunting pianissimo of icy string sonorities. Never have I heard this symphony played better.
“…There was much to enjoy in this sumptuous, colourful account [of the Firebird Suite]. The orchestra deftly darted and bobbed its way through the mercurial Dance of the Firebird and jaunty Dance of the Princesses with all the skill of a star striker eluding a score of defenders. Caetani's liking for strongly accented staccato chords bore rich fruit in the powerful climaxes of the Infernal Dance and Final Hymn.
“…Caetani's artistry and thoughtfulness shone through every note of this concert. I look forward to his return.”
Murray Black, The Australian, 29.11.05

Norma, San Francisco Opera,
October 2005
“C’est dans la musique que nous trouvons satisfaction, à commencer par la direction équilibrée de Oleg Caetani guidant son équipe à bon port.”
Valery Fleurquin, ResMusica.com 6.11.05

“The orchestra sounded splendid under Caetani's baton. The strings were lustrous, the woodwinds and brass pointedly expressive.”
Steven Winn, San Francisco Chronicle, 25.11.05

“What made the performance meaningful, however, were the sure baton of conductor Oleg Caetani and the supernal singing of mezzo-soprano Irina Mishura… Maestro Caetani skillfully led the members of the San Francisco Opera Orchestra in sculpting this score’s achingly beautiful melodies, as well as contrasting its many marches and strumming cadences.”
James Keolker, San Francisco Classical Voice.org, 26.10.05

“Conductor Oleg Caetani led Bellini's score with energy and assurance, giving full breath to the composer's most luxuriant phrases, yet maintaining a keen sense of forward drive throughout. The production may not have much going for it visually, but it was a sumptuous feast for the ears.”
Georgia Rowe, Contra Costa Times, 26.10.05

Otello, Teatro degli Arcimboldi,
Milan, May 2005
“Così è stato anche questa sera con un grande successo personale del maestro Caetani che si conferma un concertatore finissimo, attento ad esaltare la tensione drammatica con una pulizia di esecuzione, una ricchezza di chiaroscuri e una musicalità esemplari… consacrazione meriatissima per Caetani.”
Ugo Malasoma, Operaclick, 25.05.05

“Quanto alla direzione d’orchestra, il lavoro di Oleg Caetani appare senz’altro di squisita fattura. Dopo le rimbombate tremende che avevamo ascoltato in altra occasione, ha fatto piacere un accompagnamento orchestrale felpato, ricco di pathos, attento alle esigenze del canto ma sempre colmo di tensione emotivo. Una grande direzione, senza meno.”
Pietro Bagnioli, Operaclick, 8/6/05

Shostakovich Symphony
Cycle Recording,
Orchestra Verdi, Milan (ARTS)
Symphony No. 4
“Oleg Caetani offers us another volume of his astonishingly fresh complete symphonies cycle.”
Répertoire

“…Il est bien possible que la gravure de Caetani soit aujourd’hui le meilleur choix.”
Christophe Huss, classicstodayfrance.com

Symphony Nos. 5 & 6
“…Extraordinary Disc… Be swept up, as I was, by the visceral excitement, brilliance, passion, and urgency of these “pedal to the metal” performances. The Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi… is a fine one, particularly when the players are all clearly giving 100 percent, as here. Oleg Caetani also evidently has a strong affinity for this music, offering the kind of raw, over-the-top intensity characteristic of the finest Russian performances.
… A finale that quite simply manages the most satisfying ending that the work has ever received on disc.”
David Hurwitz, Classics Today, 09.27.03

“Caetani excels in drawing out the sarcastic aspects of the 5th… He restates perfectly the suspense… but still respects the language, the typically Russian colours.”
Répertoire

“Caetani impone un’impostazione di eloquente richezza e maturitá:”
Author unknown

“In this [Symphony No. 5], the first instalment of a projected series of all the Shostakovitch symphonies, Oleg Caetani brings the considerable virtues that he displayed in his performance of the Mahler Resurrection Symphony that I reviewed last month: a firm but varied pulse, an instinctive feel for structure, and a freshly imagined response to even the slightest musical gestures.
To say that this performance of the Sixth Symphony compares favourably to the 1965 Mravinsky/Leningrad (released on EMI/ Melodiya) is to pay it the highest compliment; for in my listening room, that version has taken on all comers for the past thirty years.”
Max Westler, enjoythemusic.com

Symphony No. 7 “Leningrad”
“CD of the month…”
Amadeus

“Inspiring…”
Le Monde de la Musique

“With the added advantage of an outstandingly vivid recording and the heightened adrenalin of a live performance”
BBC Music Magazine

“Caetani has a real feel for this music… A very good performance”
classicstoday.com

Symphony Nos. 9 & 10
“The first movement [of the 9th] is incredibly funny and remembers with its sound lust a good Italian comedy, it is even Fellini-like… Exciting and with suspense”
Pizzicato

Symphony No. 11 “The Year 1905”
“This new recording certainly joins the elite list of great interpretations, being different enough from those previous efforts to warrant another listen, yet fully attuned to the music’s relentless anguish and crushing power.”
“…If you love this symphony, you’ll surely want this recording.”
David Hurwitz, classicstoday.com

“Ce qui rend la version incontournable pour tous les admirateurs de Chostakovitch, c’est cette indescriptible fin, dans laquelle la mise en scène musicale et sonore du tocsin est foudroyant et sans comparaison…
A repenser à ce qu’en fait Caetani, j’en ai encore la chair de poule…”
Christophe Huss, classicstodayfrance.com

“Caetani brings real authority to the symphonies and emphasises their indebtedness to Mahler without over-stressing it.”
Author unknown

Kovanshchina,
English National Opera,
Jan/Feb 2003
“…Khovanshchina…Caetani conducts an
incandescent , exactly paced reading”
The Stage

“…Khovanshchina…Superbly conducted by Oleg Caetani”
The Sunday Times

“…Khovanshchina …In a remarkable British opera debut…Caetani obtained superb orchestral playing and coordination between pit and stage, showing exceptional consideration for the singers.”
The Sunday Telegraph

“…Khovanchschina…The impact is heightened by a conductor…Caetani, who is complete command of the style and the musical material . His ear for dramatic atmosphere is flawless; the pace never falters. And for the first time since the Elder years, the ENO musicians play like a world-class orchestra, with a devotion and technical alacrity that is totally inspiring in this dark, melodic score…He offers the most impressive operatic conducting London has heard for a long time”
Financial Times

The conductor Oleg Caetani talks to Mansel Stimpson about his career and the continuing importance of Musorgsky’s ‘
Khovanshchina’
For the son of a conductor to be devoted to music himself cannot be unusual and Oleg Caetani, who uses his mother’s maiden name and is here to conduct at English National Opera, had as his father that distinguished maestro Igor Markevitch. But, if having a Russian father and an Italian mother and frequently conducting in Germany explains Caetani’s multi-cultural background, it does not prepare one for the strongest impression made when we talked at the Coliseum where he is now conducting Khovanshchina. What emerged then was the fact that Caetani is a man who ponders the nature of human existence and responds to experience: music may be at the centre, but you sense a wider philosophy of life however important the role he assigns to art (and he stresses more than once that he loves theatre as well as music).
“I certainly feel European,” he tells me. But he immediately elaborates: “I feel much more the Europe of the regions than the Europe of the countries. My Italian side is half-Roman and half-Florentine, and those are two contrasted worlds. It’s the same with my Russian side which is half-Ukrainian. When I conducted in different parts of Germany, I really had the impression of conducting in two utterly different countries. I found that West German musicians were much more precise, but being completely closed off for so long enabled the orchestras of East Germany, even the smaller ones, to keep that typically dark German orchestral sound in the brasses and in the strings. I hope that the Europe of the future will be a Europe of the regions.”
His awareness and approval of differences came into play when he studied in Russia with two contrasted masters. “Kondrashin had a typically old Soviet conducting style, and I owe something to him, even if I found it easier to respond to the ideas of Musin in St. Petersburg who offered a new school for Russian conducting. I owe to those diverse experiences the fact that today as a conductor I am not ideological about anything. From 2005 I shall be the chief conductor of the Melbourne Symphony Orchestra and that will be a chance to bring back some baroque music to a big classical orchestra. The achievements of John Eliot Gardiner and Roger Norrington provide lessons in tempi and articulation, and I find it a pity that few conductors profit from that, frightened off by the notion that such music has to remain in one particular style and with specialists. What my background has given me is the desire to be flexible.”
Caetani enthuses even more over the works of Shostakovich: “It’s music that helps you to live, as essential as eating and drinking. Nietzsche said ‘the greatest art is to dance being tied in chains’ and that’s what Shostakovich did and what made him unique.” It’s Shostakovich’s orchestration of Musorgsky’s Khovanshchina that is being used at the Coliseum. “It’s wonderfully done but also a work which reveals what Shostakovich owed to Musorgsky despite the latter’s weakness as an orchestrator. However, we are not using Shostakovich’s preferred ending with its Soviet optimism but his alternative version. Apart from anything else, it means that we have the originality of an opera ending with a mass suicide by people deprived of any other possibility – and that’s true to history.”
In Caetani’s view the avoidance of any false optimism helps to confirm the continuing importance of this period opera in an age when fanaticism feeds terrorism and has to be fought. Musically, Caetani applauds the cast, newcomers here save for Willard W. White who has already triumphed as Prince Ivan Khovansky. In particular he speaks of Jill Grove who makes her London debut as Marfa – “one of the biggest mezzo-soprano roles in all opera, and she’s wonderful.” But it’s characteristic that he has perceptions about all the characters in Khovanshchina. He cherishes being present at all rehearsals with the director so that they can have a dialogue, and he is delighted at the views of the original director Francesca Zambello and her assistant Julia Pevzner. “I love the way Francesca sees the whole historical tragedy of Khovanshchina and how she realises it. Musorgsky himself described his task as dealing with the past in the present, but a contemporary Russian composer added that Musorgsky spoke of the past in the present without knowing that he was speaking also about the future. I agree absolutely.”
Mansel Stimpson, An Opera For Today

2003
“…in this Beethoven’s IX ( by the Muenchner Philharmoniker ) the greatness in Caetani’s achievement is having revealed the deeply human dimension concealed in the myth-laden colossus.”
TZ

2002
“…Caetani infuoca la Sagra…“
La Repubblica

2001
“...Caetani focuses on the making of music everything else is secondary.”
The Age

“…Caetani’s full-blooded, intelligent interpretations which extract a very high quality sound greatly the status of Wagner’s overtures and produce a CD which can eclipse many a mainstream recording“
Pizzicato

“...Caetani on the podium of the Mozarteum Orchestra was impressive conducting Schubert’s “Great C Major “ Symphony. Despite touching every emotion the playing remained compact and never came apart at the seams...very composed , yet one sensed an iron will and a determination to probe the essence of the work.“
Salzburg Nachrichten

2000
“…Recorded live the Second Mahler’s Symphony is masterfully conducted by Caetani “
The Sunday Telegraph

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